jueves, 6 de noviembre de 2014

La perspectiva

Del latín perspectiva, y del verbo perspicere"ver a través de".
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La perspectiva se define como el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con que se aparecen a la vista. También, como el conjunto de objetos que se visualizan desde el punto de vista del espectador.
Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión de un mundo tridimensional en una superficie de dos dimensiones. La perspectiva nos ayuda a crear una sensación de profundidad, de espacio que retrocede.
Las técnicas fundamentales utilizadas para obtener perspectivas son: controlar la variación entre los tamaños de los sujetos u objetos representados, superponiendo algunos de ellos, y colocando los que están pintados en el terreno que se representa, más abajo cuando están más cerca y más altos cuando están más lejos.
La perspectiva, entonces, es un sistema que permite representar tres dimensiones sobre una superficie plana de dos dimensiones; por lo tanto, es una simulación de lo visible de la naturaleza que  permite figurar el efecto volumétrico de los objetos, colocados éstos, a su vez, en un ambiente de falsa profundidad.
El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Del objetivo y de la distancia dependerá el que la imagen tenga más o menos profundidad. La sensación de profundidad es puramente ilusoria, pero forma parte una técnica de composición muy importante.
La perspectiva también es la estructura sobre la cual se apoya la forma de visión del hombre moderno, a partir del Renacimiento, que es cuando se instaura definitivamente en la plástica.
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"La última cena"
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Elementos principales de la perspectiva

¿Haz viajado por una carretera recta alguna vez? Te darás cuenta que al ver al frente, hacia el horizonte, los objetos se observan más pequeños, lejanos...
Hay artistas que en la pintura y en el dibujo logran hacer este efecto de lejanía de los objetos. Para ello, utilizan diferentes tipos de líneas:

Líneas paralelas, van una al lado de la otra y, aunque sigan en un plano, nunca se encontrarán.
Líneas oblicuas, son líneas que parten de puntos distintos una al lado de la otra, pero que en su recorrido se encontrarán en algún punto.
Líneas convergentes, partes de dos partes distintas para luego encontrarse en un punto.
Líneas divergentes, parten de un mismo punto a distintas direcciones.
Con la unión de estos tipos de líneas podrás lograr efectos interesantes ya que la perspectiva consiste en representar las cosas como se ven.
Como sabrás, las líneas son un conjunto de puntos unidos, si vemos una línea con una lupa se vería así:
El punto es un elemento importante dentro de la perspectiva porque las líneas pueden partir de un punto a otro.
Para lograr la perspectiva se mezclan los diferentes tipos de líneas y el punto, aunado al cambio en el tamaño de los objetos.

Tipos de perspectiva

Algunos tipos de perspectiva son: perspectiva lineal, perspectiva aérea, perspectiva invertida,  perspectiva de importancia yperspectiva axonométrica. 
Perspectiva lineal:
Consiste en que las líneas paralelas que van de más cerca a más lejos, convergen en un punto de fuga, lo que crea una ilusión de profundidad.
En rigor, el punto de fuga está situado en profundidad dentro del cuadro.
Utilizando esta perspectiva, entonces, el pintor sitúa las figuras, de más cerca a más lejos, en diferentes planos, que son paralelos al fondo, e interpone el vacío entre unas y otras.
Ejemplos de esto son "La Última Cena", de Leonardo da Vinci, y "La Anunciación", de Fra Angélico.
La perspectiva lineal en "La Anunciación"
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En la “Anunciación”, de Fra Angélico, pintada a fresco en el pasillo del convento de San Marco en Florencia, la perspectiva lineal es construida con una precisión geométrica hasta en los mínimos detalles arquitectónicos. El espacio así creado da a los personajes una "presencia" pacífica y armoniosa pero éstos quedan en un lugar cerrado. El punto de fuga, colocado en la pequeña ventana, llama irresistiblemente la atención del espectador que debe "entrar" en el cuadro para impregnarse de la belleza del acontecimiento.

Dentro de lo que se llamaría perspectiva artística tenemos:
Perspectiva aérea
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"Las meninas"
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La perspectiva aérea, perfecciona la perspectiva lineal, representando la atmósfera que envuelve a los objetos, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites de forma y color, lo que da una impresión muy real de la distancia.
Ejemplo de esto es el cuadro "Las meninas", de Velázquez.
En un cuadro, dibujo o pintura con perspectiva aérea, las condiciones climáticas y atmosféricas (humo, neblina) proporcionan una sensación de profundidad, ya que los colores y la tonalidad de la imagen se amortiguan según aumenta la distancia. Los diferentes cambios cromáticos facilitan a que la perspectiva aérea sobresalga y destaque.
Perspectiva paralela
Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente; lo más simple de representar en perspectiva paralela es, por ejemplo, un cubo.
Perspectiva oblicua
Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto, los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”).
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Perspectiva invertida
Perspectiva invertida
En la perspectiva invertida el punto de fuga está situado adelante, al exterior del cuadro.
La utilización frecuente, aunque no en forma exclusiva, de la perspectiva invertida en el arte del ícono desorienta al hombre de cultura europea moderna cuyos ojos están acostumbrados a la perspectiva lineal reintroducida en el arte entre los siglos XIII y XIV.
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Perspectiva de importancia
La perspectiva de importancia es un método de representación que permite resaltar a un personaje con relación a otros sobre el mismo icono. Es decir, el tamaño de los personajes determina su importancia jerárquica entre los presentes en un mismo ícono.
Buen ejemplo lo tenemos (fugura a la derecha) en el Icono de San Juan Clímaco (en el centro) rodeado de san Jorge (a la izquierda) y de san Blas. Rusia, siglo XIII.
Perspectiva en el dibujo
Existen tres tipos de perspectivas importantes que podemos manejar para expresar volumétricamente los espacios:
  • Perspectiva axonométrica
  • Perspectiva caballera
  • Perspectiva cónica
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Perspectiva axonométrica
La perspectiva axonométrica se utiliza mucho para realizar los diseños previos. Es una representación neutral, fuera del espacio, las líneas del objeto quedan paralelas y acercan el abjeto hacia el espectador.
Para obtenerlal, primero se realiza a mano alzada lo que se quiere, para ver si se puede realmente desarrollar la pieza, el espacio, el lugar u objeto que se va a proyectar. Los interioristas utilizan bastante esta modalidad para dar dibujos con medidas exactas a los industriales como carpinteros, herreros y todos los oficios de una obra.
Los ejes deben realizarse con escuadra y cartabón. Marcaremos una línea vertical, llamada eje Z y posteriormente dos líneas con un ángulo de 120º. Para realizar esta medida utilizaremos el cartabón por el vértice más estrecho, que es el de 30º. Así nos quedara el ángulo antes mencionado.
Una vez realizados los ejes de coordenadas solo nos quedará ir dibujando la pieza con las medidas dadas. Todo el dibujo se debe realizar paralelo a los ejes principales.
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La perspectiva caballera contiene los objetos pero éstos tienen deformidades más acusadas.
Teniendo los ejes principales X, Y, Z (figura a la derecha) utilizaremos una reducción para una buena representación espacial. La escala que debemos reducir solo será en el eje Y, aplicando la mitad de la dimensión del objeto que hay que dibujar.
Es utilizada cuando una pieza, por su complejidad, no es fácil de interpretar a través de sus vistas como, por ejemplo, la de los manuales de instrucciones de todo tipo de maquinaria.
La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente, pero la más utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. Ésta es la que más se aproxima a la visión real, equivale a la imagen que observamos al mirar un objeto con un solo ojo.
La vemos muchas veces en carteles de complejos y edificaciones inmobiliarias que están en construcción. Es el resultado de cómo va a quedar la nueva obra, zona edificada, ajardinada y piscina. De esta manera los compradores pueden tener una idea de lo que van a adquirir.

domingo, 5 de octubre de 2014

Análisis de los elementos grafico-plásticos

El dibujo es un medio expresivo que utiliza básicamente el trazo y la línea para crear imágenes. Permite desarrollar ideas, concretar pensamientos y proyectos.
Puede ser en forma de bosquejo, que es un dibujo rápido y poco elaborado a base de trazos rápidos, que se suele utilizar de base para bocetos o para realizar imágenes con programas informáticos. También puede ser en forma de boceto, que es un dibujo que se realiza antes de la obra definitiva, en el que se trabaja la forma, la composición, las tonalidades... y en el que puede haber diferentes niveles de acabado. Generalmente los artístas realizan varios bocetos para una misma obra.
Cuando queremos un apunte del natural, copiamos directamente del motivo que queremos representar. Un apunte del natural, puede servir como boceto para un dibujo original, o considerarse dibujo definitivo. Suele tener mucha fuerza expresiva. Cuando el apunte se realiza de una pieza geométrica, recibe el nombre de croquis.


boceto de Miguel Ángel para La Crucifixión
Apunte del natural de" Díaz Almagro"


bosquejo para un manga

Estilos de la expresión plástica:

El estilo se refiere al carácter personal que da el artísta a su obra. Existen numerosos estilos o tendencias artísticas.
Decimos que una obra pertenece al estilo Realista cuando reproduce con fidelidad la apariencia de las cosas, y dentro del Realismo, podemos encontrar obras pertenecientes al Realismo artístico, al científico, etc.

Alberto Durero. Autorretrato a la edad de 13 años y escarabajo.


Decimos que una obra pertenece al estilo Abstracto cuando la composición no hace referencia a la realidad objetiva, pero en ella se acentúan los aspectos formales, estructurales y expresivos, sin tratar de imitar formas naturales. El arte abstracto no considera necesaria la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de su propio significado.

Victor Vasarely. Abstracción geométrica.

Podemos diferenciar dos tendencias: El expresionismo abstracto, en el que destaca la expresividad del grafísmo y de la materia, como vemos en las obras de Jakson Pollock, y la abstracción geométrica en la que destaca la precisión y el rigor, como apreciamos en las obras de VictoVasarely.

Expresionismo abstracto. Obra de Jakson Pollok.

Es un movimiento que surgió alrededor de 1910 como reacción al Realismo, y es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX.
En el estilo Figurativo se definen las formas de manera próxima a la realidad, a veces fielmente y otras distorsionándola. Dentro de este estilo se incluyen otras tendencias artísticas: Impresionísmo, Cubismo, Expresionísmo, Surrealísmo.

Surrealismo. Alegoría del sol, de Salvador Dalí.

También la deformación, el estilo esquemático y el caricaturesco. En todos ellos se utilizan diferentes modos de expresión como la simplificación, la deformación o la esquematización.

Figura y fondo en la composición

Componer es organizar los elementos visuales, puntos, líneas, planos y texturas para crear un conjunto equilibrado, y todo el conjunto se puede enriquecer al aplicar efectos de luz y color.

Composición de Gustav Klimt. "El árbol de la vida".

Ritmo, Equilibrio y Peso Visual: Ley de la Balanza y Rectángulo Áureo
Cuando una misma forma es repetida de forma regular se produce un ritmo, que en una composición se puede utilizar como recurso expresivo o estético.
Los ritmos pueden ser alternos, crecientes y decrecientes, modulares, radiales, concéntricos.
Por ejemplo en La espiral de Fraser, vemos cómo se combina el ritmo radial y el concéntrico y se crea ilusión de movimiento.
La espiral de Fraser, en realidad no es una espiral. El efecto se produce mediante segmentos de líneas curvas, ligeramente desviadas y dispuestas formando circulos concéntricos.

Espiral de Fraser.
Equilibrio
Cuando vemos una obra plástica esperamos encontrar una estética ordenada y que se entienda.
Podríamos decir que el Equilibrio es la justa medida de todos los valores que pueden confluir en una composición. Una composición equilibrada, ofrece al espectador un efecto de unidad, pero no es una suma de elementos colocados sobre la superficie plástica.


Ejemplo de equilibrio estático, obra de Guillermo Pérez Villalta.

Todas las composiciones plásticas están influidas por la relación entre sus pesos o fuerzas visuales. Si los elementos visuales se disponen a ambos lados de un eje, de forma que nos atraigan por igual, el equilibrio es simétrico, y la composición es estática.
Cuando uno de los dos campos tiene una fuerza visual diferente, el equilibrio es inestable, y la composición la denominamos dinámica.

La ley de tercios
Es un procedimiento muy utilizado en diseño gráfico y en publicidad para equilibrar los pesos visuales en los formatos rectangulares.
Consiste en dividir el formato en tres partes a lo largo y a lo alto. Las zonas de mayor peso visual se situan cerca de las intersecciones de cada división. A estas zonas se las llama puntos de fuerza.



El rectángulo áureo
En la antiguedad, los geómetras consideraron que en la relación áurea existía una armonía de proporciones, razón por la que se halla con frecuencia en detalles constructivos de edificios antiguos.
El rectángulo áureo es aquel cuyo lado menor es segmento áureo del mayor, y tiene como propiedad más importante la posibilidad de efectuar una separación ilimitada de rectángulos semejantes a él, y por tanto áureos, cada vez de menor tamaño.
Actualmente podemos encontrar esta proporción en multitud de ejemplos, y entre los de uso corriente, en las tarjetas de crédito, algunos billetes bancarios y en el DNI.

Leonardo da Vinci. La Gioconda ("Mona Lisa") 1503. Museo del Louvre. París.

Lineas de fuerza en la composición
Las líneas de fuerza son líneas virtuales que se imponen cuando miramos una composición.
En las artes visuales, el equilibrio se consigue a menudo gracias a una adecuada composición de las líneas de fuerza, que pueden ser curvas, oblicuas, quebradas, cruzadas o en espiral.
Las líneas de fuerza pueden estar determinadas por la disposición de las figuras y por la combinación de los colores en la estructura compositiva.
Si predominan las líneas de fuerza horizontales, provocan un equilibrio estático en la composición.
Si predominan las oblicuas, quebradas o curvas, crean tensiones dinámicas, con un efecto perceptivo de movimiento.
Obra de Giácomo Balla.

El punto como elemento expresivo y compositivo
El punto es la más simple de las formas visuales que se presentan a nuestra percepción.
A diferencia del punto geométrico, que es una unidad abstracta, el punto visual tiene una forma y una dimensión.
La forma más común de un punto es la de un círculo simple, compacto, carente de ángulos y de dirección. Sin embargo, un punto puede ser cuadrado, triangular, oval o incluso de forma irregular.
El conjunto de varios puntos constituye una composición. La forma en la que se agrupan los puntos determina una variedad de procesos perceptivos y de significado.
El color de una composición de puntos asume efectos y significados diferentes en función del color de la superficie sobre la que se encuentren situados.
El punto constituye un elemento estructural presente en múltiples formas de la naturaleza y en las producciones visuales del hombre. En el arte moderno, el punto ha constituido, a veces, el único elemento estructural de la composición.

Puntillismo. George Seurat.

La línea como elemento expresivo y compositivo
La línea es el trazo que deja un punto en movimiento sobre una superficie. Si el trazo se desarrolla en una sola dirección tenemos una línea recta, que puede ser horizontal, vertical, oblicua o quebrada.
Si la dirección varía continuamente tenemos una curva que puede ser circular, libre, ondulada, quebrada o complicada.
Toda línea posee su significado expresivo.
Varias líneas juntas forman una composición. Su significado cambia en función de la dirección de cada una de ellas, de su disposición sobre el plano, de su grosor y del efecto que provoca su combinación.
La línea permite representar visualmente el contorno de las formas, su estructura, las superficies y el espacio.

Dibujo a línea. El puerto de Amberes. Alberto Durero.

Aplicaciones de las líneas
La línea se utiliza en diferentes campos del dibujo para realizar bocetos, para encajar formas, para dibujar cómic, para realizar croquis, y en general para expresar ideas.
Las líneas pueden utilizarse para expresar significados diferentes en nuestras composiciones:
Las líneas horizontales nos parecen quietas, frías y en reposo.
Las verticales, vivas, activas, ascendentes.
Las oblicuas inestables.
Las quebradas son dinámicas, en continuo cambio.
Las curvas en espiral, movimiento concéntrico y envolvente. Las líneas curvas también pueden producir sensación de movimiento ondulado, irregular y sinuoso.
Las líneas entrelazadas con recorridos irregulares y en contínuo cambio de dirección sugieren la idea de desorden.
Dibujo a línea de Victor Vasarely, 1938.

El plano como elemento compositivo
Un plano es una superficie bidimensional con dos direcciones: largo y ancho.
A pesar de ello, puede crear sensación de espacio bidimensional, y producir sensaciones de acercamiento, alejamiento y volumen.
Para conseguirlo, hemos de utilizar alguno de los recursos siguientes:
Superposición de planos, variación del tamaño de las formas en el plano, o aplicando la perspectiva.
Con ello conseguiremos sugerir una distancia entre los objetos y la posición del espectador.

Las Musas Inquietantes. Giorgio de Chirico. 1916.

Otra de las aplicaciones artísticas del plano está relacionada con la escultura y con la arquitectura, para crear espacios en la estructura de los edificios, tanto en el interior como en el exterior.

Museo Guggenheim. Bilbao

La textura
Llamamos textura al aspecto exterior que nos produce la superficie de cualquier materia.
Utilizada como elemento plástico, puede enriquecer la expresividad de una composición artística.
Cada materia tiene una textura diferente, y llamamos textura táctil, a la que se puede percibir mediante el tacto o la vista.
En el área artística, se utilizan con mucha frecuencia las texturas gráficas, que son la representación dibujada de las texturas táctiles, y que pueden impregnar la composición de gran fuerza expresiva y sentido artístico.

Dibujo de Lucas Cranach. Jabalí. 

miércoles, 1 de octubre de 2014

RELACIÓN FONDO-FIGURA


Es importante saber que no existe una imagen verdaderamente plana y bidimensional. Pero hay muchos casos en los que la bidimensionalidad prevalece, en el sentido en que la imagen se compone de dos o más planos o espacios poco profundos que se extienden paralelamente al plano frontal y aparecen a diferentes distancias del observador.


La bidimensionalidad como sistema de planos frontales está representada en su forma más elemental por la relación figura y fondo. Aquí no se tienen en cuenta más de dos planos. Uno de ellos ha de ocupar más espacio que el otro; la parte directamente visible del otro tiene que ser más pequeña y estar delimitada por un borde. Uno de ellos se sitúa delante del otro. Uno es figura, el otro es fondo. Queda muy bien aclarado en el siguiente ejemplo:

Podemos apreciar claramente un jarrón como objeto central y a los laterales dos caras de perfil. No siempre es fácil saber cual es figura y cual es fondo, e incluso que espacio ocupa cada uno.

La mayoría de las investigaciones llevadas a cabo sobre el fenómeno figura y fondo se han orientado a explorar las condiciones que determinan cuál de las dos formas se sitúa delante.

En la composición de un producto visual, podemos realizar dos divisiones fundamentales:
EL ELEMENTO POSITIVO: es la denominada "figura", lo que denomina la mirada en la experiencia visual.

EL ELEMENTO NEGATIVO: es el "fondo", lo más pasivo e inactivo de una imagen, pasa a formar parte de un segundo plano.

En este cuadro “Laocoonte ” (1609)  de El Greco  apreciamos las cinco figuras (POSITIVO O FIGURA) y el elemento NEGATIVO o FONDO, que sería el paisaje, en  un segundo plano.

LA COMPOSICIÓN


martes, 23 de septiembre de 2014

CARBONCILLO: "PRIMEROS PASOS"


Sencilla lección de ayuda para empezar a dibujar con carboncillo.

¡ Empezamos!

¡Hola!: Un año más doy la bienvenida a mi alumnado de Dibujo Artístico y Técnicas Grafico Plásticas. Empieza un nuevo curso con nuevos proyectos e ideas para haceros la asignatura más sencilla con actividades y recursos que os motiven e inspiren. 
Espero que os guste ;).

Técnicas secas

Para profundizar sobre las técnicas secas, como grafito, carboncillo, sanguinas...



Breve historia del lápiz. 
El lápiz es la herramienta más barata para escribir o dibujar y compañero inseparable de artistas y profesionales.
Este sencillo instrumento tiene aproximadamente unos 230 años de vida.
Los primeros lápices se fabricaron en Inglaterra con grafito de los bosques de Dorrowdale (condado de Cumberland) en 1564, pero la grán difusión del invento comenzó en 1761, cuando un carpintero alemán Kaspar Faber presentó su primer y simple "Larugo de plomo" y sentó las bases de la actual Faber Castell, en Stein (Alemania).
Grafito y arcilla
Kaspar llamaba "plomo" al grafito, un material de color negro agrisado, graso al tacto, compuesto casi exclusivamente de carbono y sumamente blando.
Las primeras minas se fabricaron con varillas de grafito y después, ante el agotamiento del yacimiento inglés, se empleó el material sobrante de menor calidad, pulverizado y aglutinado con colas, sin que se obtuvieran buenos
resultados.
Más tarde, se fue mejorando su calidad al incorporar otras sustancias como el azufre y la arcilla que Conté le agregó en 1795 y todavía hoy se sigue utilizando.
Los lápices actuales se fabrican con grafito, los negros y caolín teñido los de colores, recubiertos de madera, en general de cedro y abarcan una variada gama de durezas y usos.

Una suma de datos
1564 Descubrimiento de una masa, gris negra en Dorrowdale en las montañas de Cumberland que se prestaba para pintar y dibujar. En aquel entonces se pensó que era mineral de plomo por su apariencia y características. De ahí su nombre "Bleistit" lápiz de plomo. Los bloques se cortaban en varillas y se ponían entre chillas de madera cuadrangulares.
* En 1795 el francés Conté y Hardmuth de Budweis descubrieron al mismo tiempo pero de forma independiente, que después de mezclar grafito con arcilla plástica podían formar varillas que al ser quemadas a altas temperaturas conseguían resistencia. Un procedimiento que se utiliza todavía hoy en la producción de la mina de grafito.
Este método de producción trajo importantes mejoras.
1 - Producir diferentes grados de dureza para diferentes usos
2 - Dar un uso comercial al grafito, base para crear la industria del lápiz.

Estructura:
1 - grafito
2 - arcilla
3 - grasa y mezcla de cera

                  1. El grafito determina el color
Como elemento de color, se separa fácilmente del conjunto de la mina y es el material adherido a la superficie de escribir. Solo se adhiere al papel o superficies porosas y no a superficies lisas como el vidrio, metal o plástico.

                 Exigencias de la materia prima:
Tener un alto porcentaje de carbono, alto grado de pureza, no tener ningún elemento adicional como cuarzo, feldespato, etc.
                 2. Arcilla como aglutinante:
La arcilla es un producto de eflorescencia del feldespato en las rocas de solidificación. Su función de aglutinante le da la forma y resistencia a la mina.
                 3. Grasa y mezcla de cera:
En el proceso de hornada cerámica, las minas se vuelven porosas y se impregnan con grasas que penetran en sus poros. Como consecuencia crece su capacidad de deslizamiento al reducir su coeficiente de fricción.
                Función: Incrementa la capacidad de adherencia su resistencia a la rotura y la intensidad del color.

Características de las minas de grafito:
La menor o mayor dureza de la mina, la determina la proporción de grafito y arcilla. Cuanta más arcilla más dura es la mina y viceversa.
            La designación del grado de dureza:
La designación del grado de dureza por letras, viene del inglés. H = Hard. B = Black. F = Firm.
HB = Half black o por números
Si bien no todos los fabricantes utilizan los mismos parámetros, su aproximación es muy notable y nos permite la elección del grado de dureza con mucha exactitud.

Extracto de historia del lápiz de grafito facilitada por la firma Carlos Wendel, distribuidora de la marca FABER CASTELL

Carbón vegetal
El carbón vegetal es el recurso más antiguo de dibujo. Para producirlo se utiliza madera blanda libre de resina, calentadas hasta su carbonización.
El material resultante es unas barritas de intenso color negro, extremadamente frágil que no se adhiere muy bien al papel o tela para pintar, lo que constituye una ventaja a la hora de bosquejar, ya que las líneas pueden eliminarse casi totalmente frotando suavemente con un paño, dejando solo una tenue sombra, perfecta para el bosquejo tanto para dibujo como para pintura. El ligero emborronamiento que se produce en su entorno, puede eliminarse con el empleo de una goma de borrar moldeable, que elimina esta sombra sin hacer desaparecer el trazo principal.

También puede eliminarse con una goma de borrar, sin dejar prácticamente señal sobre el soporte.
En la técnica de dibujo al carbón para academias, donde por norma general se utiliza conjuntamente con el lápiz compuesto o lápiz carbón, permite realizar sombreados suaves con la ayuda de un difuminador o un pañuelo de papel.

El papel más recomendado es el "Ingres" por su textura, ligeramente granulada que da especial realce a los dibujos al carboncillo.
Para su conservación es indispensable fijarlo utilizando un líquido fijador pulverizado o spray de los que existen varios en el mercado.


Tiza carbón y lápiz carbón
La tiza carbón y lápiz carbón, son un producto sintético mezcla de carbón y hollín. Las tizas carbón se pueden obtener en varias graduaciones, desde extra blanda a extra dura y se usan para grandes áreas. El lápiz carbón, normalmente blando, medio y duro, se emplea para los detalles.
Al igual que el carbón vegetal, pueden difuminarse fácilmente y para su permanencia es necesario usar un fijador.
Los lápices carbón, son conocidos también popularmente como " lápiz París" por la divulgación que en tiempos se hizo de la marca "Conté A. París"


Sanguina
La sanguina en cualquiera de sus formas puede ser calificada como un material de dibujo clásico, usado especialmente en el estudio de retrato.
Su composición, básicamente arcilla y óxido férrico le confiere su característico color rojizo que se elabora de forma pulverizada para hacer tizas, lápices y minas fácilmente difuminable.
Dependiendo de su grado de cocción y composición, adquiere tonos que van desde el rojo inglés claro hasta el marrón casi violeta.
El color sanguina, no existe como tal, si bien se utiliza como denominador común para esta gama rojiza.


Sepia
Originalmente el sepia era un color de dibujo líquido, obtenido del colorante del calamar. Hoy en día se hacen estas tizas, lápices y minas de color marrón oscuro, con colores naturales y sintéticos, usándose principalmente conjuntamente con sanguinas, negros y blancos para el estudio de retrato por sus cálidos tonos y su aproximación a los tonos carnosos del cuerpo humano.

jueves, 5 de junio de 2014

Encuentro con el ilustrador Daniel Montero Galán

El pasado 28 de Mayo realizamos un encuentro con el ilustrador Daniel Montero Galán, Madrid, 1981.
Los alumnos de 1º de Bachillerato pudieron conocer el oficio de ilustrador, interesarse por su trabajo y realizar actividades relacionadas con dos de sus publicaciones: ¨MATERIA DISPERSA¨y ËQUIVOCABLO¨
Podeis  conocer mejor su actividad profesional en la web:

www.danielmonterogalan.com





Inauguración de la Exposición de Bachillerato de Artes


El pasado jueves 29 de mayo, se ha celebrado en el Hall del Ayuntamiento de Fuenlabrada, la inauguración de la Exposición " Bachillerato de Artes" del IES Joaquín Araújo.
Han presentado la ceremonia de inauguración, el Concejal de Educación del Ayuntamiento de Fuenlabrada, Isidoro Ortega López, y la Directora del IES Joaquín Araújo, Inmaculada López Fernández.
Podrá visitarse hasta el próximo 19 de Junio.

martes, 1 de abril de 2014

Ex Libris



Un ex libris es una estampa en pequeño formato que se adhiere en el reverso de la cubierta o tapa de un libro como marca de propiedad de la biblioteca o de su dueño.
El primer antecedente es una placa de barro cocido esmaltada en color azul con inscripciones jeroglíficas, que se conserva en el Museo Británico de Londres. Perteneció a Amenhotep III (s. XV a. C.) utilizada en los estuches de los rollos de papiro de su biblioteca.
Es con la introducción de la imprenta y las técnica de grabado que se puede hablar del ex-libris en el sentido que se le da actualmente. Artistas como Durero, Cranach, Holbein y Goya harían exlibris para aristócratas y bibliófilos de la época.

En una primer etapa fueron de tipo heráldico y a partir del siglo XVII prevalecen las alegorías o emblemas. Recién al finalizar el SXIX, con el auge de la bibliofilia, cuando crece el interés por el exlibrismo, es el momento más importante en cuanto a encargos y producción, apareciendo los primeros coleccionistas, asociaciones, congresos y publicaciones con estudios sobre el tema.
Las técnicas van asociadas a la evolución de la historia, antes de la imprenta fueron anotaciones manuscritas, y desde el siglo XV se usaron técnicas asociadas a la estampación, xilografía, calcografía, litografía, serigrafía, fotograbado. Luego se sumaron la fotografía y últimamente la gráfica digital.


Como aplicación de la técnica del Linóleo,  vamos a  realizar un EX LIBRIS. Aquí teneis una selección de algunos ... Ánimo


lunes, 17 de marzo de 2014

Técnicas de Grabado

Ahora que comenzamos el Tercer Trimestre, vamos a estudiar las diferentes técnicas de grabado. Os dejo un interesante video sobre las diferentes técnicas:



martes, 18 de febrero de 2014

Ejercicio de tintas planas sobre las Meninas

JUSTIFICACIÓN DE LA COMPOSICIÓN REALIZADA


Os dejo el esquema que debeis seguir para analizar la composición de cada ejercicio tal y como se pregunta en la prueba de Selectividad  


JUSTIFICACIÓN DE LA COMPOSICIÓN REALIZADA ANALIZANDO LOS SIGUIENTES RECURSOS GRAFICO -PLÁSTICOS

1. FORMAS
            Abiertas o cerradas, geométricas, orgánicas.
            PUNTOS, LÍNEAS, FORMAS,que destacan en la imagen y su significado.

            Relación fondo-figura:
                   Contraste:  cuando la figura se separa del fondo por color forma o textura.
                   Fusión: cuando la figura se mimetiza con el fondo.
                   Fondo simple/ figura compleja: el mas común.
                   Fondo complejo/ figura simple.
                   Reversibilidad, anbiguedad, transparencia, transición.

            FORMATO; vertical/horizontal  y sus diferentes valores expresivos.
            ICONICIDAD:  nivel de realismo de la imagen realizada.
            EL ENCUADRE: las escalas (acercamiento a la escena representada) y los ángulos (posición del
            punto de vista) 

2. TEXTURAS. Representadas y propias de la técnica empleada.
            Texturas ópticas y táctiles.
            Téxturas geométricas/orgánicas.
            Funciones de la  textura: denotativa, simbólica, connotativa.

3.  VOLUMEN
            Medios técnicos empleados  para dar sensación de volumen.

4. CLAROSCURO
            LA LUZ. Estilos de iluminación : difusa o directa y direcciones de la luz, etc. 
            CLAVES DE LUZ:  Alta o Baja
5. EL COLOR. 
           ARMONÍAS UTILIZADAS en relación con la posición de los colores en el círculo cromático.
           MATIZ, VALOR y SATURACIÓN DE LOS COLORES EMPLEADOS
           TEMPERATURA de los colores empleados

6.  COMPOSICIÓN
            TIPO DE ESTRUCTURA COMPOSITIVA:
            Equilibrio dinámico: jerarquía de elementos, distribución de las masas y pesos visuales.
            Equilibrio estático: repetición, central, balanza.
            CENTROS DE INTERÉS  en la composición.
            Direcciones visuales representadas e inducidas.
            Ritmos compositivos: ritmo uniforme, alterno, creciente, decreciente, modular, radial, concéntrico.
7.  EL TIEMPO  Y EL MOVIMIENTO
Tratamiento del tiempo: narración, efectos cinéticos o escena.

8. GRAFISMO